Grupo Ciruela ‎- Regreso Al Origen (1972)

Recuerdo que en plena adolescencia solía escuchar la AM con unos walkman Sony por las noches. Fue así como descubrí a decenas de bandas, que de otra forma, no me hubieran interesado o no hubiera conocido. Lo que no tengo tan presente, es si fue en el programa de Rodrigo de Oyarzabal o en algún otro de Radio Educación, cuando escuche "Peste", intenso tema que se mueve hacia todas partes y actúa de formas inesperadas: una sección rítmica musculosa, una guitarra que echa humo, una armónica tétrica fortalecida por unos coros siniestros y un grito que repite: "I Can Feel the darkness". Debo decir que capture la canción como a la mitad, pues me había ganado el sueño y cuando desperté quede totalmente impresionado; aun más, cuando el locutor dio la fecha del disco y el nombre del grupo: Ciruela de 1972. La ultima pieza del disco "Regreso al origen"

Un dato curioso es que "Regreso al origen" fue grabado con una cantidad de músicos distintos en diferentes etapas (Incluidos Luis Perez y Miguel Esparza, miembros de la Verdad Desnuda); y sin embargo, el resultado no es una mezcla heterogénea o un disco contradictorio, sino un producto bien asentado en el rock pesado y con una uniformidad en calidad compositiva.

Aunque no es precisa la información de quien y quienes participaron en la composición y quienes solo terminaron de grabar las canciones, he aquí un listado de los músicos que participaron en este disco: La primera formación, con Guillermo Garibay en bateria, Cesar Cal en guitarra, Saul Soto en bajo y Daniel Valenz en la voz. La segunda con Guillermo en bataca, el Gallo Esparza en contrabajo y voces, Billy Valle y Javier Villafuerte en guitarras y Luis Perez en flauta y voces. Ademas en los créditos figura también Felipe Maldonado de Peace & Love, quien en un momento dado también fue vocalista de la banda, pero que al parecer no contribuyo en nada con el disco. Por si fuera poco, la portada del disco, muestra solo a la segunda formacion. Como se puede ver, todo un rompecabezas, que solo los oídos mas entrenados, y por supuesto, los participes, sabrán  de las aportaciones de cada músico.

El debut y despedida de la banda de Reynosa, es un disco energético, adictivo y de excelsa creatividad. Su formula variopinta, unía la Psicodelia, el progresivo y el Jazz, cimentados siempre en una base hard rock. Las canciones reparten riffs memorables a diestra y siniestra, excitantes, acelerados y ensordecedores, como para hacer diez discos de bandas de menor nivel; súmenle un bajo aplastante y una bateria que suena gigante, rotunda, al grado de llevarse, por momentos, el protagonismo del disco. No olvidemos los falsetes y notas largas del vocalista, Daniel Valens, en la tradición de grandes cantantes de hard rock, muy ruda y sin encogimientos. Me encanta este disco: las flautas, el contrabajo, los coros... en fin

En mi opinión, “Regreso al Origen” es uno de los grandes y mejores trabajos de Hard Rock mexicano, todo suena excelentemente bien; un LP sin desperdicio y muy cortó: solo son ocho canciones y por lo menos tres son himnos del rock duro mexicano. Un verdadero tesoro para quien se atreve a buscar.

39.4 - 39.4 (1972)

Junto a La Revolución de Emiliano Zapata y  Los Spiders formaron parte de los grandes grupos de Rock Mexicano en los 70s que provenían de Guadalajara (junto a otras bandas claro está un poco menos conocidas como La Fachada de Piedra, Quinta Visión, Frankie, Alfredo y París)

Comenzaron tocando covers de Chicago, Blood Sweet & Tears y Buddy Miles, empapados de esas influencias, terminaron haciendo uno de los discos mexicanos mas sólidos que hubo en esa época; lástima que sea tan corto. El debut y despedida en formato LP del grupo tapatío, los muestra como una banda capaz y con mucha potencia. Frescos, llenos de vida y ávidos de emoción, comparten melodías que te suben el animo después de un mal día o delicioso groove y asombrosa habilidad para unir sonidos. Especial atención a la voz de Enrique Sanchez Larry y su interpretación, con toda la carga de pasión atormentada, como los grandes del genero.

Excelente.

Grupo Oz - Grupo Oz (1972)

Grande, maravilloso, único. Así califico al único disco de una las bandas mas desdeñadas de la época de los setentas, el Grupo Oz. Amigo, si este disco no te hace mover los pies y no te derrites con el, estas jodido.

Debut  rebosante de canciones trabajadas con un mimo obsesivo, en las que se nota a los integrantes como fanáticos y conocedores del funk-soul americano, porque las estructuras, acordes, melodías, texturas, voces y feeling, se sienten tan naturales, como las de cualquier grupo underground de barrio marginado negro. Incluso mejor. Esa forma de unir la imperecedera música negra y la psicodelia es de una arquitectura sorprendente.

El Grupo Oz traza interesantes concordancias con contemporáneos como Cosa Nostra: esos destellos cálidos, la desgarradara voz y posiblemente por ser los únicos grupos mexicanos mas influenciados por los proyectos de George Clinton, que por Chicago y BST.

De todo el tracklist, donde abundan medios tiempos de funk psicodelico idoneo para gastar suela, destacan la descomunales "Fly" y "Oz Machine", dos instrumentales que tienen todo el groove de las bandas de funk latino mas portentosas. "Blues Woman" en la que se acercan en calidad a los Black Merda o al Malo de Jorge Santana. Pero el momento cumbre llega con "A New Day" (que el rapero Cut Chemist incluye en una de sus mixtapes "The Litmus Test") belleza soul-psych-pop de ocho minutos que purifica hasta los poros. Esto es finura, lo demás son tonterías.

Los Soul Master's - En Avándaro Valle De Bravo (1971)

Los Souls Masters, grupazo del que no tenía conocimiento. Una especie de Rock acidismo y metales funkies y souleros. Buenos cambios de ritmo y energía a raudales. Temazos que hacen mover el cuerpo como hippie en festival. Mención especial para el vocalista( Wilson Mújica), algo así como, el hijo bastardo que tuvieron en una noche de ácidos James Brown y Alejandro Lora jeje, con una garganta poderosa y una voz rasposisima que esta chingona. Participaron en Avandaro, pero antes del festival.

Desafortunadamente, aunque con mucho potencial, le bajaron de decibelios a su música y le tiraron a lo meloso y comercial.

De mientras, esto se puede describir con una palabra: ¡Fantástico!!!

Pájaro Alberto y Conjunto Sacrosaurio - Viaje fantástico (1974) (

Si pensamos en el nivel al que nos tenía acostumbrados Alberto Isordia en sus anteriores grupos (Tijuana Five y Love Army), entonces no debería sorprender su debut como solista: "Viaje Fantástico". Pero aun así, no deja de sorprenderme, como un disco tan ambicioso, como un personaje con un arsenal de influencias e ideas variopintas, que pueden ir desde el pop ingenuo a la psicodelia pesada, o del rock sureño a la música hindú, salga tan bien parado y sin apenas ningún pero que reclamarle. Como si nunca hubiera tenido la presión de sacar un disco a la altura de sus anteriores trabajos. Porque el "Viaje fantástico" es literal: el viajesote a través de diez canciones que no dan tregua, ni dejan descansar. De la banalidad amorosa a la trascendencia espiritual. Una obra conmovedora en la que Isordia dejo el alma. Producido por Armando Nava de los Dug Dugs, un dato que no podemos sortear, porque es seguro que una fracción de la calidad del conjunto, se debe a el.

"Viaje Fantástico" carece de temas de relleno. Avanza por direcciones en las que nadie se habia atrevido a pisar musicalmente (en grabaciones mexicanas), sin embargo, líricamente los vapores de la esperanza y el amor siguen alimentando los sueños del "Maestro Pájaro". Como el pop beatle con clavicordio en "Vida" uno de los mejores momentos del disco y esa frase del verso que conmueve "Vivir mi vida es todo lo que quiero hacer". Un disco de momentos bellos e inmensos, de pasión; aunque lo mejor viene al final con tres piezas de indiscutible calidad "Viaje Fantástico”, "Adonde tú vayas" y "Raga". Solos de guitarra, pesadez, música religiosa, introducción a otros estados de conciencia, "muchas cosas que quieren despertar". Ese es el viaje fantástico.

Toncho Pilatos - Toncho Pilatos (1973)

Alfonso Toncho Guerrero y su proyecto Toncho Pilatos, amenazaron en 1973 (sin cumplir) a la humanidad, con un incomparable LP lleno de su singular mezcla de psicodelia, hard rock progresivo y música regional mexicana. Tenían todo para comerse al mundo: actitud, presencia, buen sonido, una disquera grande tras ellos y excelentes canciones. Ocho en total, con puntos álgidos en "Kukulkán", "Tommy Lyz" (dedicada al comunista "Tom de Analco", Tomás Lizarraga Tirado), "Blind Man" y "The Last Dance" de casi quince minutos y muestra de que el Toncho Pilatos era una banda de otro nivel. Quienes los presenciaron en esta época, solo tienen palabras y frases que manifiestan una mezcla de admiración y aturdimiento. ¡¡¡Suertudos!!!

No hay, yo al menos no encuentro, absolutamente nada malo que decir de este grupo en lo musical. La sección rítmica es inigualable, el trabajo en la guitarra del hermano de Toncho, Rigo, es perfecto. Y la voz de Alfonso, aunque a veces inescuchable  debido a la mala producción del disco, casi alcanza el cielo.

Por ultimo, creo que es algo innecesario y pueril, las reivindicaciones que se hacen de este disco, mencionando o sugiriendo, que Bob Dylan o Jeff Beck eran fanáticos de la música del Toncho, con un dejo mas de leyenda que de cita comprobable. No le veo caso sumarle credibilidad y prestigio a lo que brilla con luz propia.

Un album esencial del Rock Mexicano 

La Comuna - No hay mañana / There'll Be Time / For Those Who Love / It's All Right (1971)

A medio camino entre el sermón religioso y el discurso propio de la izquierda latina sesentera. A medio camino entre la psicodelia y el folk californiano. Piensen en los Ultimate Spinach conociendo a la Nopalera más Joan Baez y tendrán una idea de lo que hablo. Su único EP grabado en 1971, es audaz, es persuasivo y esta ejecutado con brillantez. Un poco de espiritualidad y hermandad a un México rockero por momentos insustancial.

El misterio de porque no grabaron ningún disco, se resuelve en un texto de Victor Roura, en el que ademas se demuestra que a diferencia de sus contemporáneos (a excepción de Antorcha), su postura política era genuina: "En los setentas el grupo de rock La Comuna se negó, ante el director artístico de la Peerlees, a aparecer en el programa de Velasco, intitulado Siempre en Domingo, por considerarlo frivolamente banal, provocando la cólera del funcionario de la disquera que, enmuinado por los caprichos de los jovenzuelos, delante de ellos rompo las pistas que ya habían sido grabados en señal de una eficaz reprobación moral. La Comuna obviamente, se desintegro meses más tarde ante la falta de opciones laborales".

Escucha obligatoria

La División del Norte - It´s A New Day / I Got Your Love (1971)

No mentiría si digo que "It's A New Day" es una de las tres mejores canciones de grupos con metales al frente. Baladas y medios tiempos aparte; Chicago y Blood Sweet and Tears no aparecen. Aquí la referencia son otra clase de grupos: CWT y los gringos de Scorpion; pero ojo, como menciono es solo una alusión no una influencia, porque lo de la División del Norte es personalisismo. La ejecución de esta pieza es algo para lo que las palabras sobran, abre con uno de los mejores riffs cargado de pedales en México; la aparición de metales, voz, órgano y percusiones es de oficio y sapiencia. Para sumarle puntos extras ademas esta el dato, que fue en esta canción cuando la encuerada hizo su famoso acto en Avandaro. Todo mientras Oscar Sarquiz ni se inmutaba.

La cumbre del casual encuentro entre el Brass Rock y el rock pesado en México...

Antorcha - Bracero / Intento no. 2 / Quiero vivir (1974)

Si Leo Antúnez es el primer punk uruguayo; entonces, Antorcha son los primeros anarcopunks mexicanos. No me refiero a sonido, sino a ideas y actitud. No es casualidad que de alguna extraña forma el disco del uruguayo (uno muy difícil de conseguir, aun ahora) haya llegado a manos del grupo mexicano. El único disco de Antúnez, "Un Tal Leo Antúnez", incluye “Diles que las calles están danzado (Made in USA)” canción que Antorcha añadiéndole una historia más elaborada y música propia, la título como "Bracero". Pero no se trata de un plagio, el mismo grupo le entrega parte de la autoría de la canción a Leo.

¿Pero quién es Leo Antúnez? Leo Antúnez es un poeta, un revolucionario, un humano, injuriándonos, crispado por la cólera que se revuelve en su espíritu, ofreciéndonos una imagen única de lo que el autor comprende como rock. Un único disco con letras rebeldes, shockeantes e intensas. Rock en estado salvaje.




La primera canción y la última son de una belleza insultante: "Epitafio" abre de la siguiente manera:

“Cuando crea que los días son como las nubes, y me caiga y me levante
Cerca como siempre la cara al polvo del camino, concédeme el olvido
Porque estaré vivo entre los vivos y los poseedores
Los pobres y los ricos
Los buenos y los malos
Y no quiero"

"Natalia" es el desgarrador relato de una madre que es llevada a prisión "sin que conste la ficha médica, porque su hambre, porque su soledad y su miedo" y que cada domingo le promete a sus hijos "mañana vuelvo a casa" una y otra vez, pero nunca vuelve "porque Natalia muere un 2 de febrero de 1956/ Porque vio pasar un pájaro a su lado/ un Dios azul se le sentó en el pecho/ Y el corazón se le rompió de pena, de pena..." Después de canciones así solamente queda el silencio. Y me vienen a la mente dos grandes finales: Celine en Viaje al fin de la noche: "El resto no es más que decepción y fatiga" y a Kerouac en los Subterraneos" Y yo me vuelvo a casa, habiendo perdido su amor. Y escribo este libro."

"Bracero" de Antorcha comienza contando una anécdota de un grupo de trabajadores a punto de marcharse a los Estados Unidos (en la original de Leo Antúnez eran unos italianos) para trabajar y describe como sus familias se despiden de ellos: "El campo ese día/mostraba al sol su vientre/y los hijos y amigos que quedaban/cantaban viejas canciones/y levantaban en la lejanía/botellones de aguardiente/Era enero, y un cenzontle señalaba el camino a la troca”. El estilo de la canción es muy similar a una amable norteña al estilo saylors y esa clase de grupos. Enseguida la música se vuelve pesada, oscura, opresiva, la letra se torna del mismo modo, todo se convierte en pesadilla: "Eran cien hombres y mujeres que llegaron a United States/fueron bajados como carga/empujados como carga/ hasta las vacunas que decían: United States/Sellados como carga por un sello que los autorizaba a respirar, sudar, morder el polvo, producir/con la única salvedad de que todo llevara como marca made in USA".

Los Chijuas - Los Chijuas (1968)

Los Chijuas estaban solos, perdidos en una isla desierta. Ningún grupo antes o después los pudo igualar en su estilo. El popsike garagero mexicano nunca sonó de esta manera. El punto culminante y el mejor ejemplar de la filosofía: Hazlo tú mismo. En los sesenta por lo menos.

Los Chijuas, un grupo que convertía sus limitaciones en virtudes. Unos Midas del pop. Porque es Oro puro el "Mighty Quinn", el "Neon Rainbow" de Alex Chilton y los Box Tops, ó "I Love You" de Los Zombies, tres piezas que de por si buenas, con los Chijuas brillan como nunca. Por si fuera poco, su talento ilimitado, entrega dos clásicos: "Changing the colors of life" tema redondo en todos los aspectos; destaca por su hipnótico bajo, el incandescente farfisa y la viajadona letra y "Oh It's Wonderful"soleado track que  lo tenia todo para convertirse en un hit, melodía temporal, letra de amor autocomplaciente y una radiante ejecución al estilo californiano mas melodico y evocador .

Al escoger su repertorio, a diferencia de a los cientos de grupos que pululaban por el país en la década de los sesenta, los Chijuas destacan por sus arreglos tanto vocales como musicales, mas trabajados que lo habitual, quizá ese sea su signo de distinción. A la fecha "Changing the colors of life" es de los temas mas versionados por bandas lisergicas y garageras en todo el mundo, destacando especialmente el cover que el duo holandes The Skywalkers (con el genio del popsike actual Jacco Gardner) le hizo al tema.

Un trabajo sobresaliente, una victoria total en diversos factores.

La Verdad Desnuda - La Verdad Desnuda (1971)

Obra maestra, sin dudarlo. Ya sé que muchos no estarán de acuerdo; pero, teniendo en cuenta las circunstancias de los músicos en 1970 (represión, pocos lugares en que tocar, poco material que escuchar, etc.) y que te salgan 3 canciones así: para mí, es memorable y cosa que merece todos mis respetos. Entre los miembros del grupo se encontraban dos tipos que han demostrado autentica pasión, integridad y  persistencia:  Miguel"El Gallo" Esparza (Después en Toncho Pilatos, Halcón, Ciruela, La Expedición, Tlatelolco Rock Simphony y los Dug Dug's) y uno de los músicos mas innovadores de su generación, Luis Perez (indispensable su disco "En el ombligo de la Luna").

El disco, empieza con "Hallelujah Everywhere" o "Aleluya en todas partes", temazo lento y melancólico, excelentemente bien construido ,aunque con las debidas limitaciones de la época e incluyendo un homenaje a Mecer de Juglares del Concertino para órgano y orquesta de Miguel Bernal Jiménez. La letra religiosa en primera persona, de un tipo que reza y le dice a su "señor" que trata de ser mejor persona y en unido a las partes del narcótico órgano, construyen una atmósfera épica. Debilidad personal que hace que se me erice la piel.

Sigue "Illusive World" cuya deuda con bandas como Deep Purple es evidente; sin embargo suena en momentos a el Ritual o Ciruela, con una contundente y lacerante guitarra y un órgano delirante y una melodía vocal hermosa, repitiendo que vive en un mundo ilusorio. De nuevo temazo

Termina con "A Babe Into the Garbage Dump" otra medalla mas; Un Wah Wah matón, base rítmica trepidante y acida con el vocal desgañitandose . Mucha, mucha energía.

Lucifer Lucifer (1974)

"Satán representa la sabiduría perfecta, en lugar del auto engaño hipócrita" dicen los nuevos satanistas y afirman que el propósito, es el de ser nuevamente hombres libres y responsables de sus actos, manifestando la verdadera naturaleza del ser, reclamarse a sí mismo simplemente por Ser y no porque se tenga que hacer el bien o basarse en leyes.

Atraídos por esta filosofía, cientos de jóvenes de todas partes del mundo, adoptaron toda la iconografía satánica, que sugería: individualismo, una actitud vital rebelde y contestataria frente al Sistema, autonomía sexual y libre de pecados y quizá un pretexto para romper de tajo con la generación anterior.

La banda Lucifer no parece absurda si en una canción hablan de que están en busca del amor y en otra invocan al Ángel caído, porque saben que la libertad de creación es consustancial a toda manifestación artística. Lo opresivo y lo liberador; lo siniestro y lo amable, conviven en este su único álbum.

Entre los integrantes estaban los pilares del jazz: Rodolfo Popo Sánchez, Ramón Flores, Enrique y Jorge Neri, el ex- maloo Homero Patrón y Mayita Campos quien había sido vocalista de los Yaki. Su sonido, como no podría ser de otra manera es muy jazzero.

Y cuando otros grupos proponían esa unión entre el Jazz,el Soul y música pop y ofrecían discos aceptables, pero que cojeaban. Lucifer llego y demostró que tal combinación con los elementos necesarios puede ser todo un éxito. Nada falta y nada sobra: Las dos voces, la amplia gama de vientos, los teclados, sintetizadores, clavecines, los violines y violas, las canciones.

En "Purgatorio" la elaborada y creativa instrumentación, con multitud de cambios, ligada completamente al Jazz, aunque con alguna influencia de la música Pop gringa (soul, psicodelia,etc)

Si bien todas las canciones son excepcionales y no hay track malo. Me quedaría con "Fair Maiden" la canción perfecta del Soul-Jazz Azteca. Un tema sin grandes pretensiones. Estructuras simples pero de gran eficacia, sobre todo en ese dialogo que entablan Moog y metales y el solo de Trombón.

Obligatorio banda.

Javier Bátiz - Javier Bátiz y su onda (1972)

Alguna vez Batiz tuvo tanto talento para tocar y versionar canciones, como para hablar mal de todos los grupos, decir burradas y creerse el pionero en todo. La balanza estaba equilibrada.

Después se concentro mas en lo segundo, y en presumir que le enseño a tocar el bajo y la guitarra a Santana y su estatus de ídolo fue a la baja considerablemente, así como la calidad de sus discos.

Javier Batiz y su Onda es extraordinario de principio a fin, todo el repertorio está hecho a base de excelentes versiones (en realidad casi todo lo que grabo en los sesenta y setenta está lleno de covers) dos del gran Jimmy Reed en los temas iniciales, "You Don't Have to Go” y “Bright Lights Big City”. Se luce en "I Was Born In Chicago" al puro estilacho de la Paul Butterfield Blues Band aunque se extrañe la armónica. Las palmas se las lleva con "Directly From My Heart To You" del entrañable Ricardito.

Si algo hay que reconocerle a Batiz es el intenso feeling blues que tenia y la genialidad de su guitarra,

No sé como un gran músico como él, se quedo estancado y desde entonces no se haya superado, ¿será por la comodidad de quien se sabe un ídolo? Quién sabe.

Rosario - Doble barril / Es una pena, nena / Cuidado con la bruja

¿Lalo Duarte era un artista en constante cambio y evolución o al contrario estaba viendo con que pegaba? Me inclino a pensar que la primera opción es la correcta, de otra forma le saldrían las canciones frías y aburridas. Anecdóticas como es el caso de tantos covers que se grabaron en México. Sin en cambio la mezcla de Rock duro, pop y Reggae no suena a inocentada.

"Doble Barril" es original del dúo jamaiquino Dave & Ansell Collins quien con "Double Barrel" logro colarse en la lista de éxitos de 1971. Una belleza de canción, que suponemos Lalo Duarte canta sobre el tema instrumental, clásica en los singles de Reggae; esta sospecha es debido a que se oye exactamente igual. La versión está muy bien hecha, en vez de traducir literalmente el texto del tema, Duarte se dedica a improvisar, un elemento muy importante para el Reggae. Por algo a los fanáticos de los ritmos jamaiquinos en México, no le hacen el feo y la consideran padrina del reggae en México.

Sigue "Es una pena, nena" una canción popera donde la voz peculiar de Duarte es la que hace el trabajo sobresaliente.

Termina con "Cuidado con la bruja" una chava que hechiza y rompe corazones enamorados, es por eso que hay que mantenerse alejado de ella. Una tema hecho a base de unos coros femeninos y metales.

Aunque es un EP que musicalmente no está definido, se disfruta bien si es que no tienes prejuicios.

División del Norte - She'll Come Back to Me / My Way Is Love (1971)

Soberbio EP del grupo de Tamaulipas, absolutamente imprescindible para un servidor. El segundo single confirma a la División del Norte como los grandes que eran y con un estilo ya plenamente desarrollado.  La grabación y nula producción pueden opacar los temas para cierto publico, eso si.

 "She´ll Come back to Me" comienza con un órgano en tonalidades menores, como de película tenebrosa, hasta que a los pocos segundos la División entre ya entra con toda su potencia. La voz de Waco Roux suena ardientosa y dolida, aunque al final sabe que "ella regresara". Los metales suenan de maravilla y el solo de guitarra crudísimo. Buenísima.

"My Way Is Love" es funkie denso y bailable que me hace esbozar una sonrisa y por supuesto mover las patitas sin ninguna dificultad.

Antorcha - Antorchas (1971)

Antorchas es de esas joyas que te sorprenden, justamente porque no sabes que esperar. Lo que rodeaba al grupo a principios de la época de los setenta es un misterio. ¿Que libros, que música?. Podremos deducir y adivinar, pero, solo eso.

Este 7" solo tiene 3 canciones, hipnóticas y lisergicas, adaptando la influencia de los grupos mas acidos como Ant Trip Ceremony o Iron Butterfly: "Grass" es enorme poniendo de manifiesto la enorme calidad que poseía el grupo y de la que hacen gala durante los escasos 15 minutos que dura el disco. Lo único malo y el reproche es al mal ingles que manejan. "Going Down" se puede calificar como un mantra psicodelico y el aposeotico final "En el jardín del Edén" una preciosa y relajante balada de afligida atmósfera. Una grabación "rara", bestial e intencionalmente maldita.